奇趣美术馆第一季

1. American Gothic 1930 美国哥特 - Grant Wood

2. Arlequin et Pierrot 1924 哈勒昆和皮埃罗 - André Derain

3. Dans la serre 1879 温室里 - Édouard Manet

4. Degas et Evariste de Valernet 1865 德加与伊瓦李斯特·德瓦莱何纳 - Edgar Degas

5. Le Tricheur à l’as de carreau 1635-1638 方片A的作弊者 - Georges de La Tour

6. Les raboteurs de parquet 1875 镶木地板刨工 - Gustave Caillebotte

7. The problem we all live with 1963 - Norman Rockwell

8. Portrait de Lisa Gherardini, épouse de Francesco del Giocondo 1503-1519- Léonard de Vinci

9. Les Amants Ⅲ 1928 情人Ⅲ - René Magritte

10. Triple portrait du Cardinal de Richelieu 1642 红衣主教黎塞留的三肖像

Philippine de Champaigne

一说到艺术，大多数人最直观的感受就是抽象、高端、不懂。 艺术相关纪录片更是过于专业，催眠效果满分。 然而最近，却有一部关于美术馆的纪录片突然人气飙升。 它非常不一般，甚至还有点奇葩。

简单来说，就是达芬奇看了想骂人，梵高看了要报警。

今天就来聊聊——奇趣美术馆

豆瓣评分9.2、9.3，目前有有两季，一共60集。

每集只有短短2分钟，看起来毫无压力，既爆笑又能涨知识。

堪称沙雕与艺术的完美结合，逗逼与高雅的同场竞技。

关于它的评价几乎都是：搞笑、沙雕、涨知识。

感受下此片的画风——

主题则是近年来流行的“让名画动起来”。

各路喜剧演员cos世界名画中的人物，服装造型都无比用心，让人不禁惊呼神还原！

要说片中最神还原，就属《蒙娜丽莎的微笑》了。

这幅“地球人都知道”的画，一直是世界名画界的绝对C位。

每天有2万人千里迢迢来到卢浮宫，只为一睹蒙娜丽莎的神秘微笑。

然而在《奇趣美术馆》中，“卢浮宫一姐”蒙娜丽莎丝毫不感到自豪。

因为每天对着2万人保持微笑，她表示下巴都要笑抽筋了。

蒙娜丽莎受够了吉祥物似的生活，毕竟从1503年起就这样了。

而且画里就她一个人，连个说话的人都没有。

她打电话给馆里负责人，要求调到别的画里去。

看着“活的”蒙娜丽莎打电话吐槽的样子，不得不说，法国人脑洞真是够大。

蒙娜丽莎表示情愿放弃C位，到达芬奇的另一幅画《最后的晚餐》中客串。

毕竟一桌子人坐那儿有东西吃，还有13个人陪着聊天。

负责人表示：《最后的晚餐》在米兰，你在巴黎，所以不能“转岗”！

顺便还调侃了下喜欢罢工的法国人。

电话那头的负责人只好连蒙带哄，告诉蒙娜丽莎：

你将是《达·芬奇密码》的女主角，而男主角是莱昂纳多·迪卡普里奥！

高贵神秘的蒙娜丽莎秒变追星少女，小李子如果知道蒙娜丽莎喜欢他，不知作何感想。

无聊的蒙娜丽莎紧跟潮流玩起了交友软件，与她勾搭的也都是其它名画中的人物。

其中还有拿破仑，丽莎姐现场示范如何撩汉。

拿破仑回答得也很符合史实了：喜欢武器、打胜仗、煽动革命、搞政变。

还邀请蒙娜丽莎周末一起建立共和国……

无奈在交友软件遇到太多名画里的奇葩，丽莎姐感叹还是现实里的人更好。

下面这幅肖像画相信很多人都见过，只是你可能不知道它的名字。

画中人常被误认为是夫妻，其实这是一对“父慈女孝”的父女。

名叫《美国哥特式》，绘于1930年。

据说他们是美国大萧条时期，小镇上一位沉默寡言的父亲，和他极受宠爱的女儿。

女儿看起来安分守己、对父亲敬爱有加。”

《奇趣美术馆》中，这对父女的关系可没有官方描述的那么和谐。

应该改名叫“斗嘴的父女”。

一上来女儿就对父亲各种吐槽：成天拉长个脸好像别人欠他钱一样、表情僵硬穿着古板、手中干草叉是父权主义的象征……

老父亲辩解道：严肃的表情代表了农村劳动人民的艰辛，1930年的生活很艰苦，经历了29年的经济危机，怎么笑得出来？？

在女儿俩幽默的吐槽中，《奇趣美术馆》巧妙地将这幅画背后的讽刺意味传达给了观众。

当我们下次再看到这幅画时，就会从这乏味正经的肖像背后看到一些更深层的东西。

一顿吐槽后，女儿闹着要出走，却不得不找父亲要钱坐公交车，被可算逮到机会反击的老父亲断然拒绝。

下面这幅《在温室里》出自大名鼎鼎的法国画家爱德华·马奈。

爱德华·马奈是19世纪印象主义的奠基人之一，梵高、莫奈、塞尚都受到过他的影响。

这幅画的女模特，是19世纪70年代巴黎的时装大亨。

她的美貌和时尚品位，让马奈为之倾倒。

画中的两个人都戴着婚戒，显然是夫妻。

但在《奇趣美术馆》中可没有看上去那么和谐。

想象一下：在1879年，如果一位妻子的收入和名声高于她的丈夫。

在那个男尊女卑的时代，夫妻关系会发生什么变化？

男人抱怨腰酸背痛，女人吐槽是他弯腰驼背的姿势导致的。

男人表示：这还不是为了凑近跟你说话。

《奇趣美术馆》又在不经意间点出二人的姿态象征了地位高地，这样的构图也是画家的刻意为之。

男女主人公还在一来一往的斗嘴中，点出了画家爱德华·马奈的作风：

“说吧，笑吧，摇摆吧，你们活着的时候才是真实的。”

这句话很好地概括了马奈的风格，

在当时，马奈大胆采用鲜明色彩，将绘画从传统束缚中解放出来，迈出革命性的一大步。

此外，还向观众科普了印象派绘画的风格特点：

印象派就是捕捉瞬间，捕捉表情、动作，就像照片一样。

接下来出场的，是野兽画派代表作《哈勒昆和皮埃罗》，作者安德烈·德兰。

画中两个人都是16世纪意大利喜剧中的固定角色。

左边穿花格的哈勒昆负责搞笑滑稽，右边穿白色长袍的皮埃罗是远离他人的孤独丑角 。

看到现在，对《奇趣美术馆》的套路比较熟悉了。

凡是两个主角的画一定是斗嘴，互怼模式，这两个人也不例外。

皮埃罗抱怨哈勒昆不洗澡身上太臭，哈勒昆则辩解：这是为了致敬野兽派。

于是白袍的皮埃罗就为观众科普了一把：

野兽派只是一种作画流派，不是闻起来像个野兽！

而且这幅画的作者安德烈·德兰就是野兽派先驱之一。

两个好基友在互怼中，也为我们科普了野兽派的特点——

法语中“野兽”和“黄褐色”为同一个词，黄褐色这个词也指野兽，所以是野兽派。

就是用鲜艳而分明的颜色作画，颜色之间互不混合、没有渐变、没有交错。

其实这两个形象是西方绘画里的经典题材，很多画家都画过。

下次再看到其他的哈勒昆和皮埃罗，就知道画的是谁啦！

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《红衣主教黎塞留的三肖像》，创作于1642年左右。

画中人名叫阿尔芒·让·迪·普莱西·德·黎塞留，是法王路易十三的宰相，及天主教枢机，波旁王朝第一任黎塞留公爵。

他被誉为出色的政治家，外交家，与德国铁血宰相俾斯麦齐名。

然而，就算是身份显赫的历史人物，在《奇趣美术馆》中也肯定是画风不对劲。

同一个红衣主教的三个角度被画框一起，日久天长就分裂了。

三个人不仅相互嫌弃对方有口气，还各种比美，都觉得自己是最好看的角度。

中间那个实在听不下去了说：

你看不出我们是同一个人吗？？这样画是为了给意大利雕塑家当模板。

这就向我们科普了，画家在一幅画中画上同一个人的三个角度的原因。

左右继续各种花式互怼，中间那个只好岔开话题问：

所以半身像最后做好了吗？

原来红衣主教的半身像做是做好了，但最终毁于法国大革命。

这时右边的角色，又不失时机地抛出了金句。

当然，《奇趣美术馆》也不完全是科普艺术小常识，有些剧集也会穿越到画中，直面严肃的社会问题。

洛克威尔的经典名作《我们共识的难题》，就带观众回到了那个黑人还在争取平权的时代。

这幅画绘于1964年，表现了第一个上白人学校的黑人小女孩Ruby Bridges，路上被美国法警护送的一幕。

曾经的美国在很长一段时间里，实行黑人种族隔离政策。

黑人不能和白人居住在同一条街，不能和白人共用厕所、澡堂、食堂，不能和黑人同坐一节车厢。

黑人有专门的黑人学校，不能和白人共处一室。

1960.11.14 Ruby Bridges 第一个上白人学校的黑人

而这幅画所表达的就是，本该自由上学的黑人女孩，却需要在4个联邦警察的护卫下才能安然走过上学路。

画家对当时美国社会种族不平等进行抨击，对黑人小女孩报之同情。

不过在《奇趣美术馆》中，再严肃的主题画风也不会太正经。

护送小女孩的警察抱怨，画家没把他们的脸画出来，使他们不能像小女孩一样成为世界名人。

小女孩则展现了一把什么叫情商——

她表示自己也不过是个象征，重要的是这幅画传达的象征意义，而不是人物自身，我们一起才完成了这个作品。

《奇趣美术馆》最特别之处在于，打破了艺术类纪录片枯燥专业的传统，让人耳目一新。

艺术不再高高在上，而是充满了亲切的幽默。

喜剧演员赋予了画中人生命，让一幅幅单调的肖像画生动起来。

在插科打诨中，让观众不知不觉了解艺术小常识和很多历史小故事。

这部纪录片就是如此“润物细无声”，可幽默可严肃，既娱乐又深刻。

虽然只是一部小短剧，一□气看完所有剧集只需要2个小时，但这种“涨姿势”的喜剧小品谁不爱呢？

最后听卢浮宫一姐的，赶快去看吧！

*本文作者：RAMA

EP01 美国哥特式（1930）格兰特·伍德

EP02 哈勒昆和皮埃罗（1924）安德烈·德兰

EP03 温室里（1879）爱德华·马奈

EP04 德加与伊瓦里斯特·德瓦莱何纳（1865）埃德加·德加

EP05 方片A的作弊者（1635-1638）乔治·德·拉·图尔

EP06 镶木地板刨工（1875）古斯塔夫·卡耶博特

EP07 我们共视的难题（1963）诺曼·洛克威尔

EP08 蒙娜丽莎（1503-1519）莱昂纳多·达芬奇

EP09 情人Ⅲ（1928）勒内·马格里特

EP10 红衣主教黎塞留的三肖像（1642）菲利普·德·尚佩涅

No.8 《蒙娜丽莎》Mona Lisa

画家：莱昂纳多·达·芬奇 Leonardo da Vinci（1452-1519）

创作时间：1503-1519年

材质：木板油画

现存地：巴黎 卢浮宫

原作：

背景：

文艺复兴是盛行于14世纪到17世纪的一场欧洲思想文化运动。在中世纪晚期发源于佛罗伦萨，后扩展至欧洲各国。

欧洲源自对基督教统治下中世纪的批判，产生了世俗价值观念。

人的观念在达·芬奇等艺术家的观念里居于核心的地位，《蒙娜丽莎》也展现了神性和人性的光辉，肯定了人从自然状态脱离而存在的意义。

主题含义： 《蒙娜丽莎》的姿势，已经升华为一种神圣的符号，它不仅仅是艺术规律问题，不仅仅是对文艺复兴人文思想粗糙大潮的冲击，而是心灵回归者、觉醒者心中的一个崇高细致理想的显现。 在构图上，达·芬奇为了加强对人物时代特征，打破了传统的构图方式，突破了对女性的刻画到了腹部。达·芬奇把人物画到腹部以下，是对中世纪观点的公开对抗。

该画完全消除了中世纪绘画中的呆木僵硬表情，表现出一股活鲜鲜的生气；其美学价值首先就体现于这种先进的审美理想中。 达·芬奇在《蒙娜丽莎》绘画中，成功地运用了“渐隐法”绘画技法。人物形象，与背景界限不太明晰，人物轮廓不那么明确，仿佛融入背景之中。 画家简介：

达芬奇自画像

莱昂纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci），4月15日（公历4月23日），出生于意大利的文艺复兴时期。

施洗者圣约翰

他涉及的领域：包括素描、绘画、雕塑、建筑、科学、音乐、数学、工程、文学、解剖学、地质学、天文学、植物学、古生物学和制图学。

维特鲁威人

他被人们称为古生物学、植物学和建筑学之父，被广泛认为是世界有史以来最伟大画家之一（1519年5月2日去世）对后来的艺术家做出了贡献，而后者仅是其当代米开朗基罗所无法比拟的。

抱貂女郎

最后的晚餐

No.6 《镶木地板刨工》The Floor Scrapers

画家：古斯塔夫·卡耶博特 Gustave Caillebotte（1848-1894）

创作时间：1875年

材质：油画

风格：印象主义

现存地：法国巴黎 奥赛博物馆

原作：

主题含义：

此画描绘的是当时刨工刨地板的场景，作品中的三个刨工两个一边工作一边讨论，另外一个则是专心致志的整理刨过的地板的瑕疵。

黄色为主色调，使整个画面显得高贵而却又不失朴实，具有浓厚的生活气息。

作品结构严谨，形象概括，光感突出，明暗对比强烈，是卡耶博特早期的代表作。

画作真实的记录了地板刨工这一职业状态，因此当年（1875）在沙龙上被拒绝展出。

1876年，卡耶博特两个版本的《地板刨工》参加了第二届印象派作品展览。

画家简介：

古斯塔夫·卡耶博特（Gustave Caillebotte），法国印象派画家。

巴黎的街道·雨天

在他的作品中重写实造型和严谨的结构；画面形象整体概括，重光感，以单纯的色块描绘对象，有的单纯得类似版画效果。画中艺术形象明暗对比强烈，很少使用过渡色。

赛艇

1848年生于巴黎一富有之家，1873年在美术学院学习时是列昂·博纳的学生，博纳是当代绘画艺术学院派的代表。但他很快就放弃了学业，转而进行印象派绘画的探索。

1876年，他的两个版本的名作《地板刨工》(1875，分别由奥赛博物馆和私人收藏)参加了第二届印象派作品展览。此后举办的各届画展他没有一次缺席过，一直到1882年。

而后他放慢了创作活动的节奏，直到他干1894年过早地离开人世。

卡耶博特还是个收藏家，从1876年起，他经常资助印象派画家朋友，出钱购买他们的一些作品，其中包括莫奈的《圣拉扎尔火车站》的多个版本和雷诺阿的《加莱特磨坊》。

圣拉扎尔火车站

圣拉扎尔火车站

圣拉扎尔火车站

圣拉扎尔火车站

去世之前，他个人藏品中有63幅画全都捐给了国家，官方对此虽然未作怎样的表示，但印象派的画却从此大量成为国家的收藏，而卡耶博特当年收藏的那些画至今仍是奥赛博物馆的瑰宝。

No.1 《美国哥特式》American Gothic

画家：格兰特·伍德 Grant Wood（1891-1942）

材质：布面油画

创作年代：1930

现存地：美国芝加哥 芝加哥艺术学院

原作：

创作背景：

这幅作品完成于1930年的大萧条时期。当时的美国艺术家们拒绝欧洲现代主义艺术的影响，深入乡村地区创作现实主义作品，强调一种朴素的真实。这种风格后来被称为地方主义（Regionalism）。

含义主题：

画面中引人注目的一男一女，画家伍德的妹妹，同时也是画中女模特的娜恩·伍德（Nan Wood）坚持认为，这是一对父女，只不过年龄差距看起来不那么明显。

在这幅画中，男人的眼睛直直地向前平视，双唇紧闭，黄瘦的脸上表情十分严肃，鼻梁上一丝不苟地架着圆圆的眼镜。他沾满泥巴的手里拿着一个叉，它既代表了在农业占主导地位的年代，农民们勤劳耕作的精神，也象征着在19世纪男权社会中，不容置疑的男性权威和力量。

从构图上来看，这个叉与人物椭圆形的脸和人物身后哥特式窗户的线条相呼应。

站在他身边的女人一副典型的维多利亚时期女性的装扮，从发型到服饰，甚至到表情，都让人联想起简·爱。同男人一样，女人的表情也不苟言笑，只因那个年代的女性以严谨、矜持、勤劳、克己为美德。

画中女人眼睛微微地眯起，皱着眉头看向一边。她的表情令人难以琢磨，似乎很悲伤，又似乎烦躁或者是坚忍。她垂下的一绺头发，和她整洁、刻板的清教徒形象形成了些许的冲突。她略微站在男人身后，眼睛看向男人，有点“唯他是听”的意味。

1930年8月，伍德在Iowa南部的一个小镇看到一所颇具哥特式风格的房子，它建于1880年代，有五个房间。此建筑物的紧凑和坚实的设计，尤其是阁楼上的哥特式窗户，给伍德留下了非常深刻的印象。他想象着一个农夫和他的女儿站在房子前面，然后拍下这个房子的照片带回了他的工作室。

他请他62岁的牙医和他30岁的妹妹作为画中人物的模特，并让他们穿上19世纪维多利亚时期的衣服。

虽然在画中两人是站在一块的，但实际上这两个人物是在不同的场合下完成的。

他们的脸，尤其是女人的脸，就像哥特式建筑尖尖的屋顶一样，被变薄和拉长。仔细感觉的话，还能够感到一丝死亡的气息，仿佛画中人物成为坟场里的墓碑。女子的黑色上衣和罩在外面的印花围裙，以及男子的黑色外套，都暗示着这种气息。

还有，木屋的门窗都是关闭的，在这样晴朗的天气中也显得十分反常。

画中模特重新聚首在作品面前 图片：波士顿日报

这幅画就成为了乡村美国人的象征。男人严肃的举止和女人焦虑的表情可以体现出大萧条时期的困难，当时许多农民被赶出他们的农场，失去生计。

它也能表现出农民忍受艰辛以及在其土地上坚定留下来的决心。他们强有力地抵抗逆境，这是许多美国人所尊崇的品质。

有人说，格兰特·伍德将此画命名为《美国哥特式》，就暗示了他的创作动机“带有一种毁灭性的讽刺”，是对在美国乡村农民持有排外情绪的嘲弄。除了背后的哥特式小木屋外，人们也联想到这两位表情怪异的美国农民，尤其是那位拿着和海神波塞冬一模一样钢叉的男士，给人带来一种“哥特式”小说那样的邪恶、恐怖的气氛。

而另一些批评家则认为，伍德是“那个时代最粗俗的画家之一”。这幅画的影印版在各大媒体上刊发后，有一位义愤填膺的农妇还写信给《梅因纪事报》（Des Moines Register），认为伍德丑化了农妇的形象。

画家简介：

自画像 1932

格兰特·伍德（Grant Wood），是一位美国画家,出生在爱荷华州四英里以东的安纳摩萨。他的很多绘画作品逼真地描绘了他的故乡爱荷华州的平民和农村景象。

伍德是美国中西部地区的地区主义运动（推动美国农村主题的具象绘画反抗欧洲的抽象艺术）的三位主要人物之一。他童年时就读的乡村学校被描绘在2004年发行的美国50州25美分纪念币——爱荷华州纪念币上。

No.2 《哈勒昆和皮埃罗》Harlequin and Pierrot

画家：安德烈·德兰 André Derain（1880-1954）

创作年代：1924年左右

材质：油画

现存地：法国巴黎 橘园美术馆

原作：

背景：

哈勒昆和皮埃罗（Harlequin and Pierrot），是意大利即兴喜剧 Commedia dell’arte ("Comedy of Art" or "Comedy of the profession”) 中的两个定型角色 。这种戏剧出现在16世纪文艺复兴时期 , 以喜剧小品为基础的。演员都戴着面具 ，通过插科打诨或哑剧的方式呈现 。

Harlequin身着五菱格彩色连体服头戴双角帽 , 负责搞笑和滑稽 。

Harlequin

Pierrot身穿白色长袍，脖子环绕一圈皱领 , 是远离他人的孤独丑角 。

Pierrot

对 Harlequin 和 Pierrot 的热衷 , 18、19世纪尤其突出。华托 、 雷诺阿 、毕加索 、塞尚.... 西方资产阶级革命之后由宫廷落入民间的弄臣 , 随着时代的变化也一直被赋予不同的意义 。

Jean-Antoine Watteau, Pierrot, or Gilles, 1719, The Louvre

Harlequin 的原型是西班牙画家华金 · 萨尔瓦度 。Pierrot 的原型是19世纪有名的法国艺术商人和收藏家保罗·纪尧姆（Paul Guillaume）, 也是这幅画的委托人 , 他收藏的大部分画作在巴黎橘园美术馆都能看到 。

这幅画的创作时间是一战以后，普遍的观点认为这时候德兰的画更注重秩序和稳定，不像其战前风格那样自由、充满活力、运用惊人的色彩和笔触。

主题：

弹着吉他的哈勒昆和皮埃罗，单脚稍稍离地，向画的外面前倾。他们似乎从很远的地方来，一片不毛之地上出现了远山，但是从远处黄褐色的山丘到近处的荒漠植物，都表现出荒原的景象。

在没有生机的荒原上，一大片云覆盖了大半个天空，两个小丑像在演着一场没有尽头的牵线木偶剧。画里还有一个简陋的水壶和一把吉他，一块白布把这两个零碎的物件给拾掇起来了，右边前景里的这些静物在构图上平衡了左边的植物。

然而，最妙的细节在于，画中哈勒昆和皮埃罗弹的琴并没有弦。这两把无弦的琴让我有种不安，而背景的荒芜、人物令人费解的表情，又加剧了画面的焦虑和孤独感。没有弦的琴，恰恰扣人心弦。

无弦之琴

德兰成功地把一个古典的题材用他独特的方式再现出来，以悲剧的形式，而且舞台感一流：一场连琴声都没有的哑剧，昏暗的天空是幕布，荒原是舞台，镂空的舞台中心是留给画家的空间，安放了了弹琴跳舞的牵线小丑，就像安放了自己遇到的所有的嘲讽和挫折。

小丑或许为了观众的品味而违背自己的意愿，离创作渐行渐远，这点和画家并无区别。德兰一边重温古典的题材一边反思艺术的陈词滥调，这是他创作的一个永恒主题，也是他杰出的地方。

画家简介：

André Derain，1928

安德烈·德兰（AndréDerain，1880-1954），法国画家、雕塑家。是野兽主义最重要的实践者之一，是20世纪初期革新性绘画的先驱和现代艺术运动最杰出的人物之一。

在查图的塞纳河

他和亨利·马蒂斯（HenriMatisse）、莫利斯·德·弗拉芒克（Maurice deVlaminck）是野兽派绘画最重要的领袖和缔造者。他还是出色的舞台美术家和服装设计师。

女人像

德兰首先发现黑人艺术，认识到民间艺术的丰富和想像的浓郁；他还发现原始艺术、庞贝绘画、中世纪哥特艺术和文艺复兴初期大师们艺术的奥秘。他研究了古人艺术创造的秘诀，重新踏上他们所走过的路，运用传统创造现代艺术。大自然是他创作灵感的源泉，博物馆中历代大师之作是他创作的模特。

烘干风帆